La Pintura en el Siglo XX. Breve análisis de la evolución
hacia la abstracción. Ficha 4.
La pintura contemporánea parte del postimpresionismo con
las principales obras de Gauguin y Van Gogh, también Cezanne.
El Fauvismo: “El Fauvismo es uno de los movimientos del
siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de
espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total
de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los
colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el
arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos.
El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador
parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación
desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.
Otra característica del
fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo
tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un
ambiente cada vez más vanguardista.
Los artistas más
destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz,
Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este
movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de
1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas
anteriormente nombrados.
La Blusa Rumana de Matisse: Este pintor fue uno de los más destacados miembros del grupo de pintores fauvistas que se presentaron en 1905 en el Salón de Otoño de Paris. La critica les otorgó inmediatamente el calificativo de "fauves", es decir, fieras por su violencia cromática y su falta de respeto a los valores tradicionales
" El arte fauvista, no busca la
perfección de formas, paisajes, retratos, etc, sino que expresa
sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma
colores saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención. Al no
buscar la perfección, este movimiento artístico se destaca por su sencillez.
Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior. El Fauve
(artista fauvista), deja fluir su intuición al momento de crear una obra, que
es de interpretación libre, lo que la hace subjetiva. Destaca las formas y
paisajes a través de un contraste de colores, saturándolos o marcando los
contornos con líneas oscuras bien definidas. Entre los temas principales de
fauvismo se pueden encontrar: paisajes, retratos, cuadros africanos o árabes,
espacios como paredes o piezas, etc.
El Fauvismo (1904-1907)
es un movimiento artístico destacado del siglo XX. Su estilo pictórico utiliza
colores fuertes, contrastados, sobresaliendo el cromatismo irreal, es decir,
utiliza colores que en la realidad no existen (por ejemplo: árboles rojos,
amarillos, etc.). Expresa la libertad, rebeldía, imaginación y sentimientos del
artistas, no siguiendo contornos perfectos ni líneas exactas, sino que deja
fluir el mundo interior del artista. Los artistas más destacados de este movimiento
son: Henri Matisse,AndreDerain,MauriceVlamink,PabloPicasso,(https://fauvismosigloxx.wordpress.com/)
El Cubismo: El cubismo se inició en 1907.
Este movimiento reconge la herencia de Cezanne, se centró en el volumen de las
cosas y prescinde de todo elemento accesorio. Incluso llegó a obviar la
realidad aparente. Los objetos y las figuras aparecen observadas desde
distintos angulos con dos o tres visiones yuxtapuestas o incluso manifestando
su estructura interna. La gran figura de este estilo es Pablo Ruiz Picasso.
Superado su estilo “azul” 1901 y “rosa” en 1905 pintó en 1907 “Las señoritas de
Avignon” punto de partida del cubismo
"Las Señoritas de Avignon"
de Picasso causa furor
16-07-1916
“(…) en el año 1916, Les demoiselles d’Avignon, o
"Las Señoritas de Avignon" de Pablo Picasso, una pintura al óleo que
retrata a cinco prostitutas desnudas de un burdel en Barcelona, causó furor
cuando se exhibió por primera vez en París. La obra no fue bien recibida no
sólo por su reveladora descripción de prostitutas al desnudo, sino también por
lo que representaba: un rechazo a la sociedad de clase media y a los valores
tradicionales de esos tiempos y la aceptación de la libertad sexual. Además,
con Las Señoritas de Avignon, Picasso no respetó los modos populares de pintura
de ese momento en favor al dibujo en línea, dos dimensiones y estilo primitivo.
Esa decisión fue fundamental, ya que Las Señoritas de Avignon permitió que se
impusieran el cubismo y el arte moderno. En cuanto a la pintura, luego de su
decepcionante exhibición, permaneció enrollada y olvidada en el estudio de
Picasso por años antes de que la exhibiera Jacques Doucet a principios de los
años 1920. Hoy en día forma parte de una preciada colección en el Museo de Arte
Moderno en Nueva York.” ( https://mx.tuhistory.com/hoy-en-la-historia/las-senoritas-de-avignon-de-picasso-causa-furor)
El Expresionismo: Agrupó en Alemania antes y después de la Primera
Guerra Mundial a un numeroso grupo de pintores preocupados por reflejar los
temores y angustias del hombre contemporáneo. Este movimiento recibió
influencias de Van Gogh y del noruego Edvuard Munch. Este artista vivió entre 1863 y
1944 y fue uno de los principales simbolistas. El explicaba su obra “El Grito”
de esta manera: “ Mis amigos me habían dejado y, solo, temblando de angustia,
me di cuenta del inmenso, infinito, grito de la naturaleza”
“En
sus propios escritos sobre su cuadro, Munch dijo que estaba caminando junto con
unos amigos cuando el cielo se tornó rojo sangre: "Me quedé paralizado
temblando de ansiedad, y sentí que un grito infinito atravesaba la
naturaleza".
Morten Zondag, un experto en Munch de la casa de arte
Blomqvist en Oslo, consideró que tenía sentido. "Si uno examina los
textos, advierte que es un grito de la naturaleza", expresó. ía que
refleja un grito de la naturaleza, pero que esa persona o cosa es una personificación
de ese grito".Munch trabajó en Alemania como también en su Noruega
natal, y su estilo de intensa carga emocional fue de gran importancia para el
nacimiento del movimiento expresionista del siglo XX. Hans-Martin Frydenberg Flaaten, cuya tesis en la
Universidad de Oslo fue sobre "El grito", dijo que "Todos lo ven
a su manera y eso provoca debate. Creo que fue parte del propósito".Flaaten dijo que las manos de la figura parecen estar
cubriendo las orejas, protegiéndolas de un grito. Pero también podría estar
asiéndose la cabeza, gesto clásico de un grito. Al igual que Zondag, Flaaten dijo que lo considera
mayormente como un grito en la naturaleza y que la figura personifica el grito.
Cree que lo importante es que Munch trataba de pintar un sonido, una idea que
fascinó a su círculo de artistas y escritores, que también trataron de hallar
los medios de "oír" colores.El artista pudo haberse inspirado en muchas imágenes y
sonidos, que combinó en una pintura, opinó Soerensen. "Se ha convertido en un icono. Es notablemente fácil
de comprender", dijo. "¿Grita u oye un grito? ¿Acaso importa?
Fuente: AP
En lnternet: www.munch.museum.no/”
El surrealismo: Apareció en 1924 simultaneamente en la literatura con
Breton y Apollinaire, en el cine con Luis Buñuel y en la pintura. Este
movimiento se centró en la exploración del subconsciente, del mundo irracional
de los sueños. Salvador Dalí, con una técnica y una formación netamente
clasicista es el más representativo de los surrealistas llamados “oníricos”
“Óleo de 1931 realizado por Dalí.
M.O.M.A. Nueva York.
Tema. Sobre la visión de un paisaje de la Costa
Brava (Cadaqués), tan habitual en
la obra del pintor, Dalí nos muestra las formas de unos relojes que han perdido
su habitual tacto duro para volverse blandos (de aquí que también se conozca
esta obra como Relojes blandos),
con un cierto carácter orgánico.
Dichos relojes se apoyan en distintos objetos (un tronco seco, una mesa) de los
que destaca un volumen informe que vagamente (por las pestañas) nos puede recordar
un rostro humano. (Método crítico-paranoico o doble imagen).
En la zona izquierda aparece un nuevo reloj lleno de hormigas.
En general, aunque la
presentación sea realista en sus técnicas, tanto la relación de los objetos como
su cambio de cualidades físicas, nos están remitiendo a una imagen por completo incongruente y fuera de la lógica,
fruto del inconsciente, que nos provoca extrañeza y sentimientos
contradictorios que la larga planicie solitaria sólo acentúan aún más.
Técnica. Óleo
sobre lienzo, como es habitual en el pintor.
Composición. Se
encuentra bastante equilibrada, con el motivo central unido a los otros relojes
a través de un triángulo que se compensa, en la zona derecha, con las rocas que
cierran el fondo.
El dibujo es,
pese al tema, sumamente correcto
y bastante detallado, lo cual produce un mayor contraste con lo
incongruente de la representación. De la misma manera color y luz se tratan a la manera
tradicional, jugando con los fríos de los relojes que se destacan sobre el
fondo cálido realizado a través de tonos terrosos.
La luz, de atardecer, se proyecta desde la
izquierda, haciendo proyectar sombras a los objetos.
La perspectiva también
responde a las maneras
tradicionales del punto de fuga y la pérdida de definición de los contornos
según nos alejamos. El pintor ha elegido un punto más elevado con lo cual
consigue realzar los objetos del primer plano a la vez que se alarga la fuga
visual hacia el paisaje.
COMENTARIO.
Dalí utiliza en esta obra su famoso
método crítico-paranoico con el que pretendía fotografiar los
sueños. Como buen
surrealista, su objetivo era el de sacar a la luz las visiones extrañas que se
producen el subconsciente, siguiendo ideas de Freud.
Para ello recurre a una técnica
inspirada en los clásicos de los que era un gran conocedor (Rafael, Vermeer,
Velázquez). De aquí que nos encontremos con un dibujo correcto (en zonas
sumamente detallista), así como un uso de la luz y la perspectiva que nos
provoca el aspecto tridimensional y real de la escena, como un cuadro clásico.
Sobre esta base técnica (en nada revolucionaria) proyecta una temática de raíz
surrealista en donde son habituales las asociaciones
insólitas (los relojes tirados en una playa), el gusto por los temas
escatológicos considerados de mal gusto (los insectos, la idea de putrefacción
o la de mutilación), utilización de lo monstruoso o el tratamiento del paisaje
con luces rasantes, perspectivas profundas y sombras alargadas que le dan un
carácter onírico, de escenario de sueños, con el tiempo detenido y fuera de la
experiencia real.
Con todo esto pretende seguir las ideas expresadas por Bretón en su manifiesto surrealista,
mostrando todos aquellos temas que la razón, el buen gusto o las convenciones
sociales no dejan salir al exterior, siendo, en este punto, una postura
revolucionaria y en gran parte provocadora que apela, más que a la razón, a los
sentimientos, o mejor aún, a los puros instintos que aparecen aquí reflejados
para que el espectador se enfrente con ellos, asomándose a su propio abismo.”
La
pintura abstracta. Es el resultado final de una progresiva despreocupación por
los temas en sí y de la acentuación del factor intelectual. Los pintores
abstractos renunciaron hacia 19176 a representar objetos reales, centrándose en
elaboraciones puramente mentales. Algunos artistas, como Mondrian, eligieron la
tendencia “geométrica” otros como Kandisnsky la “cromática y rítmica”. Luego de
la Segunda Guerra Mundial, la abstracción culminó en el “aformalismo” del que
es destacado interprete el español Tapies.
“Vasíli Kandinsky: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kandinsky.htm
(Vasíli
o Wassily Kandinsky; Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de
origen ruso (nacionalizado alemán y posteriormente francés), destacado pionero
y teórico del arte abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y
economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la
cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy
especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos,
también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.
Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la
docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico
ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de Franz von Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el
que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está
presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras
pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil
alemán.
Composición Nº 8 (1923) de Kandinsy
Entre 1902 y 1907 Kandinsky
realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para
instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos
entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por
entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era
secundaria e incluso perjudicial, y que la belleza de sus obras residía en la
riqueza cromática y la simplificación formal.
Este descubrimiento le condujo a
una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista
definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los
fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto
por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de
síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la
naturaleza y sus formas.
Entre 1910 y 1914, Kandinsky
pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones,
inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones
interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente
rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas
líneas negras con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la
presencia de la realidad.
Negro y violeta (1924) de Kandinsky
En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue
Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a
su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo
interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y el Almanaque de
Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo,
aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg
(Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante
toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.
Al estallar la Primera Guerra
Mundial, Kandinsky volvió a Moscú; allí emprendió varias actividades
organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado
Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky, y cuatro años
más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la
primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su
disolución.
La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y
su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto
compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de
su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos
circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la
Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano.
En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia.
En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas
inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e
inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como
hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica."
Para uso educativo.
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