Ficha 5 Antoni Gaudí. ( 1852-1926) El Parque Güell de Barcelona.

Ficha 5  Antoni Gaudí. ( 1852-1926) El Parque Güell de Barcelona.

“Antoni Gaudí  (http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gaudi.htm )

(Reus, España, 1852 - Barcelona, 1926) Arquitecto español. La obra de Antoni Gaudí se inscribe dentro del movimiento modernista, aunque lo supera ampliamente por la originalidad de sus concepciones y su capacidad para romper moldes y crear nuevas soluciones.

Antoni Gaudí

Nacido en el seno de una familia de caldereros, se trasladó a Barcelona para estudiar arquitectura, disciplina en la que se graduó en 1878. Inicialmente colaboró en algunos despachos de renombrados arquitectos de la época (con José Fonseré proyectó la cascada, las rejas metálicas y las puertas del parque de la Ciudadela de Barcelona), antes de abordar en solitario el proyecto de la Cooperativa Mataronense, un ambicioso complejo del que sólo se llevaron a cabo la fábrica y un quiosco de servicios.

En 1883 fue nombrado arquitecto del templo expiatorio de la Sagrada Familia, la obra que ocupó toda su vida y que se considera su principal realización artística, a pesar de que quedó inconclusa y sin un proyecto bien definido. En los primeros años, se ocupó de la construcción de la cripta (1883-1891) y el ábside (1891-1893) y compaginó su trabajo en el templo con diversos encargos civiles, como la villa denominada El Capricho, en Comillas, o la casa Vicens, en Gracia, para Manuel Vicens.

Por entonces entró en contacto con el conde de Güell, con quien mantuvo una relación casi de mecenazgo renacentista. Güell le encargó en primer lugar algunos pabellones para su finca de Pedralbes y el palacio de la calle Nou de la Rambla (1886-1891), donde Gaudí introdujo nuevos elementos constructivos como el arco parabólico. Luego se ocupó del colegio de las teresianas de la calle de Ganduxer y del palacio episcopal de Astorga, que no terminó a consecuencia de la muerte de su mentor, el obispo Juan Bautista Grau Vallespinós.

Bastan estas obras de la primera época para individualizar algunas de las constantes de la arquitectura gaudiniana, desde su peculiar recreación del gótico hasta su predilección por las formas curvas y dinámicas, la aplicación a la arquitectura de técnicas de decoración artesanas (vidrieras, hierro forjado, muebles diseñados por él mismo) y su singular empleo de los mosaicos de fragmentos de cerámica de vivos colores.

En 1891 abordó la fachada del Nacimiento de la Sagrada Familia, de cuyas cuatro torres sólo se había construido una a la muerte del arquitecto, la que dio la pauta para el bosque de torres en que debía convertirse el templo. Poco después de 1892, los Fernández y Andrés le encargaron una casa en León, conocida como Casa de los Botines, y por las mismas fechas realizó un proyecto de misión para Tánger que no se llevó a cabo. En lo sucesivo, sus principales encargos fueron inmuebles de pisos, como la casa Calvet, la casa Batlló y la casa Milà, más conocida como La Pedrera y culminación en cierto modo del genio de Gaudí por la singular concepción de su fachada ondulada de piedra y hierro forjado y por el conjunto de chimeneas helicoidales de la azotea

Su mentor, Eusebio Güell, le confió dos encargos de gran envergadura: una colonia obrera en Santa Coloma de Cervelló, de la que sólo se completó la iglesia, sorprendentemente integrada en el paisaje, y una ciudad-jardín, que también quedó inconclusa y es en la actualidad un parque público (el parque Güell), que integra los distintos pabellones realizados por el arquitecto, así como un espacio columnado (que según el proyecto original debía destinarse al mercado) y la plaza, con un original banco corrido de azulejería.

En el año 1926, cuando murió atropellado por un tranvía, Gaudí era un arquitecto reconocido por sus coetáneos dentro y fuera de las fronteras españolas, pero su singular genio innovador y creativo no fue aceptado universalmente hasta bastantes décadas más tarde. En la actualidad, su figura es internacionalmente reconocida y su obra se cuenta entre las más admiradas de la arquitectura de todos los tiempos.”

Parque Guell. 1900-1914 Barcelona.

Es un  proyecto de zona residencial propuesto por  el mecenas y gran amigo de Gaudí, Eusebi Guell. Siguiendo el modelo de las ciudades jardín de moda en Gran Bretaña, construyen los equipamientos y zonas verdes de sesenta viviendas. Esto nunca se llevó a cabo. La gran plaza descubierta, destinada a ser el centro de la vida social, simula un teatro griego. Su forma viene definida por una baranda –banco que se curva en innumerables sinuosidades continuas y permite sentarse en la parte cóncava o en la convexa, solo o en grupo de personas. El diseño del banco se adapta perfectamente al cuerpo humano. Su valor lo encontramos en el revestimiento de azulejos, fragmentos de vidrio y esquirlas unidos con argamasa que resulta en una explosión de policromía con reflejos y destellos.

 La plaza reposa sobre una sala hipóstila, a semejanza del templo de Apolo en Delfos y cumple la función  de plaza cubierta en caso de lluvia. Es un pórtico de columnas dóricas que son huecas por dentro y funcionan como canales de desgote del agua de lluvia y culmina el dragón fuente que preside la escalinata de acceso a la sala hipóstila. 

Al no querer modificar la naturaleza Gaudí somete la arquitectura al paisaje y a lo largo de tres quilómetros de paseos y viaductos se destacan los pórticos excavados en los bordes de la pendiente cuyas columnas helicoidales inclinadas se  integran en el contexto.

Antoni Gaudí, cuyo nombre completo es Antoni Placid Guillem Gaudí Cornet, nació el 25 de junio de 1852 en Reus o Riudoms, Tarragona, España. Fue un arquitecto español, máximo representante del modernismo catalán. Gaudí tenía un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. Falleció el 10 de junio de 1926 en Barcelona, España.

Las principales obras de Gaudí son:

1. Parque Güell
2. Palacio Güell
3. Casa Mila
4. Casa Vicens
5. Trabajo en la fachada de la Natividad y la cripta de La Sagrada Familia
6. Casa Batlló
7. Cripta en Colonia Güell

En cuanto al Templo Expiatorio de la Sagrada Familia en Barcelona, es una basílica católica romana diseñada por Antoni Gaudí. La construcción comenzó en 1882 y aún no se ha completado en el primer cuarto del siglo XXI. La Sagrada Familia es notable por su forma orgánica táctil y es uno de los monumentos más famosos de Barcelona. En 2010, el Papa Benedicto XVI consagró la iglesia y la proclamó una basílica menor. Aunque menos de una cuarta parte del proyecto estaba completo en el momento de la muerte de Gaudí en 1926, se espera que finalmente se complete en 2026.

Antoni Gaudí es reconocido internacionalmente como uno de los arquitectos más prodigiosos en su disciplina. Comenzó como parte del movimiento del modernismo catalán, pero pronto se convirtió en su mayor exponente. Su genio innovador excepcional lo llevó a inventar un lenguaje arquitectónico único, personal e incomparable que desafía la clasificación.

Gaudí fue influenciado por sus pasiones en la vida: la arquitectura, la naturaleza y la religión. Prefería las curvas orgánicas de la naturaleza a las líneas rectas hechas por el hombre. Como resultado, Gaudí rara vez usó líneas rectas en cualquiera de sus obras. Creó un tipo de estructura conocida como equilibrada, que permitía que los edificios se mantuvieran por sí mismos sin soporte interno (como un árbol se mantiene).

Además, integró artesanías como cerámicas, vidrieras, forja de hierro forjado y carpintería en sus diseños. Introdujo en su arquitectura nuevas técnicas como el trencadís. Pasó 40 años de su vida construyendo la Sagrada Familia, que hasta el día de hoy sigue sin terminar. Ocho de las obras de Gaudí han sido declaradas Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

La originalidad de su trabajo superó a la de sus contemporáneos en el modernismo catalán. Su práctica en Barcelona, España, reinventó el movimiento modernista con una visión utópica de la arquitectura gótica. El arquitecto tenía un gran orgullo en su herencia mediterránea, que dijo estaba bendecida con creatividad, originalidad y un sentido innato para el arte y el diseño.

La Basílica de la Sagrada Familia en Barcelona, diseñada por Antoni Gaudí, es un templo del tipo basilical en forma de cruz latina. Detalles sobre su planta, naves, dimensiones y decoración:

• Planta: La planta interna de la Sagrada Familia tiene una forma de cruz latina con el ábside en la parte superior. La nave principal tiene una nave central y dos naves laterales a cada lado, y el transepto tiene una nave central y una nave lateral a cada lado. El punto donde se intersectan la nave principal y el transepto es el crucero.
• Naves: El eje central está ocupado por cuatro naves laterales de 7.5 metros de ancho cada una, y una nave central de 15 metros de ancho, lo que hace un total de 45 metros
• Dimensiones: La longitud total del templo, incluyendo la nave y el ábside, es de 95 metros. Las bóvedas se hacen más altas a medida que te mueves desde las entradas en las fachadas de la Natividad, Pasión y Gloria hacia el ábside, y todas sus dimensiones son múltiplos de 7.5 metros.
• Decoración: En el interior del Templo, la marca de Gaudí es clara. Sin embargo, es dentro del Templo donde el poder y la atracción de su arquitectura son más manifiestos, invitando a los visitantes a un viaje contemplativo. El interior de la Sagrada Familia tiene un plano de planta en forma de cruz latina con el ábside en la parte superior.

·        La Sagrada Familia de Barcelona tiene 18 torres. Seis de las torres están dedicadas a Jesús, María y los Evangelistas, y las otras doce corresponden a los doce apóstoles. Actualmente, se pueden ver 11 torres terminadas y 3 a medio terminar. Las torres terminadas son las 8 torres de los apóstoles, 4 en cada una de las naves laterales, por encima de la fachada de la Natividad y la fachada de la Pasión, y desde diciembre de 2021 la torre de María, que tiene 125 metros de altura.

·        El trencadis es una técnica que Antoni Gaudí utilizó en muchas de sus obras. Es una técnica que se utiliza para cubrir estructuras con un mosaico, normalmente abstracto, de piezas irregulares de cerámica, vidrio o mármol. Gaudí rompió azulejos rotos, platos e incluso botellas de vidrio usándolos como material para recubrir superficies. El término “trencadís” proviene del catalán y significa “picado” o “quebradizo”, refiriéndose precisamente a este método inventado por el arquitecto.

·        Gaudí eligió colores alegres y duraderos en sus proyectos en superficies curvas que los hacen brillar y añaden a su arte. Para hacerlo, utilizó cerámicas, pero tuvo que adaptarse a la amplia variedad de superficies que construyó. El mosaico de trencadís fue la solución que le permitió utilizar este material de manera flexible en cualquier tipo de construcción, incluso formas redondeadas. Esta técnica también hizo posible reciclar y reutilizar materiales.

·        Además de la cerámica, también utilizó vidrio, mármol y piedra. Los materiales que eligió también actuaron como un escudo para los edificios que diseñó, ya que son resistentes a la intemperie y al paso del tiempo.

·        El trencadís se puede ver en las obras más emblemáticas del arquitecto, como el Parque Güell y la Casa Batlló. La Sagrada Familia tiene varias aplicaciones de esta técnica, tanto en el interior como en el exterior de la Basílica.

Algunos detalles sobre la Casa Batlló y el Parque Güell, dos de las obras más emblemáticas de Antoni Gaudí:

Casa Batlló:

• La Casa Batlló es el resultado de la reforma total de una antigua casa convencional construida en 1877 por Emilio Sala Cortés.
• Gaudí recibió el encargo para la renovación total del inmueble del propietario Josep Batlló i Casanovas (industrial textil).
• La construcción se realizó entre 1904 y 1906.
• La casa tiene una altura de 32 metros, un ancho de 14.5 metros y consta de 7 pisos.
• El área construida es de 4300 m².
• La Casa Batlló ha sido catalogada como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 2005.

Parque Güell:

• El Parque Güell es un parque público con jardines y elementos arquitectónicos situado en la parte superior de la ciudad de Barcelona, en las estribaciones de la sierra de Collserola.
• Fue diseñado por Antoni Gaudí por encargo del empresario Eusebi Güell.
• La construcción se realizó entre 1900 y 1914.
• El parque mide 18 hectáreas y está ubicado en el monte Carmelo en el distrito de Gracia.
• El parque se divide en dos partes: el ‘área monumental’ (12 hectáreas), que está en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO, y el área forestal circundante de 8 hectáreas.

 

La Casa Vicens es la primera obra maestra de Antoni Gaudí y sembró las semillas de sus trabajos posteriores. Fue construida entre 1883 y 1885 como una casa de verano para la familia Vicens. En 1883, Manel Vicens i Montaner, un corredor de cambio y bolsa, confió al joven arquitecto el proyecto de su casa de verano en el antiguo pueblo de Gràcia.

La Casa Vicens es una de las primeras muestras de la arquitectura del modernismo, con una mezcla exuberante de colores y patrones contrastantes que llevan las semillas del estilo único de Gaudí, una mezcla de formas orgánicas, neoclásicas y moriscas.

La casa fue comprada por el banco andorrano MoraBanc en 2014, que emprendió un enorme trabajo de restauración para transformar el lugar en un museo. El museo se abrió al público en 2017 y ha atraído a miles de visitantes desde entonces.

La Casa Vicens fue declarada Patrimonio Mundial por la UNESCO en 2005.

La Casa Milà, también conocida como La Pedrera, es una obra maestra de Antoni Gaudí y es considerada uno de sus trabajos más emblemáticos. Aquí te dejo algunos detalles sobre la Casa Milà:

• Fue construida entre 1906 y 1912 para Roser Segimon y Pere Milà.
• El edificio está dividido en nueve niveles: sótano, planta baja, entresuelo, planta principal, cuatro pisos superiores y ático.
• La planta baja actuaba como garaje, el entresuelo para la entrada, la planta principal para los Milàs y los pisos superiores para alquilar
• La Casa Milà tiene una altura de 30 metros y consta de 7 pisos.
• El área construida es de 11.000 m².
• La fachada de La Pedrera no es un elemento estructural: en lugar de servir la función tradicional de muro de carga, es en cambio una cortina de pared.
• Los bloques de piedra (más de 6.000) están conectados a la estructura por componentes metálicos, lo que hace posible las grandes ventanas en el frente.
• La Casa Milà fue declarada Patrimonio Mundial por la UNESCO en 1984.

El estilo arquitectónico de Antoni Gaudí es a menudo clasificado como parte del Modernismo Catalán. Sin embargo, su obra es tan única y distintiva que trasciende cualquier estilo o clasificación específica. Gaudí fue pionero en la creación de un estilo arquitectónico único, caracterizado por la libertad de forma, el color voluptuoso y la textura, y la unidad orgánica. Su estilo estaba inspirado en su fuerte fe y amor por la naturaleza, y se caracteriza por colores brillantes, formas fluidas y ornamentación aguda. Además de introducir a España el estilo Art Nouveau, Gaudí es famoso por la naturaleza ecléctica pero unificada de sus proyectos.

 

Ver:

Arterama: Pág. 159

Solo uso educativo.

La Pintura en el Siglo XX. Ficha 4.

La Pintura en el Siglo XX. Breve análisis de la evolución hacia la abstracción. Ficha 4.

La pintura contemporánea parte del postimpresionismo con las principales obras de Gauguin y Van Gogh, también Cezanne.

El Fauvismo: “El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.

Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.

La Blusa Rumana de Matisse: Este pintor fue uno de los más destacados miembros del grupo de pintores fauvistas que se presentaron en 1905 en el Salón de Otoño de Paris. La critica les otorgó inmediatamente el calificativo de "fauves", es decir, fieras por su violencia cromática y su falta de respeto a los valores tradicionales

 " El arte fauvista,  no busca la perfección de formas, paisajes, retratos, etc, sino que expresa sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma colores saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención. Al no buscar la perfección, este movimiento artístico se destaca por su sencillez. Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior. El Fauve (artista fauvista), deja fluir su intuición al momento de crear una obra, que es de interpretación libre, lo que la hace subjetiva. Destaca las formas y paisajes a través de un contraste de colores, saturándolos o marcando los contornos con líneas oscuras bien definidas. Entre los temas principales de fauvismo se pueden encontrar: paisajes, retratos, cuadros africanos o árabes, espacios como paredes o piezas, etc.

El Fauvismo (1904-1907) es un movimiento artístico destacado del siglo XX. Su estilo pictórico utiliza colores fuertes, contrastados, sobresaliendo el cromatismo irreal, es decir, utiliza colores que en la realidad no existen (por ejemplo: árboles rojos, amarillos, etc.). Expresa la libertad, rebeldía, imaginación y sentimientos del artistas, no siguiendo contornos perfectos ni líneas exactas, sino que deja fluir el mundo interior del artista. Los artistas más destacados de este movimiento son: Henri Matisse,AndreDerain,MauriceVlamink,PabloPicasso,(https://fauvismosigloxx.wordpress.com/)

El Cubismo: El cubismo se inició en 1907. Este movimiento reconge la herencia de Cezanne, se centró en el volumen de las cosas y prescinde de todo elemento accesorio. Incluso llegó a obviar la realidad aparente. Los objetos y las figuras aparecen observadas desde distintos angulos con dos o tres visiones yuxtapuestas o incluso manifestando su estructura interna. La gran figura de este estilo es Pablo Ruiz Picasso. Superado su estilo “azul” 1901 y “rosa” en 1905 pintó en 1907 “Las señoritas de Avignon” punto de partida del cubismo

"Las Señoritas de Avignon" de Picasso causa furor

16-07-1916

“(…)  en el año 1916, Les demoiselles d’Avignon, o "Las Señoritas de Avignon" de Pablo Picasso, una pintura al óleo que retrata a cinco prostitutas desnudas de un burdel en Barcelona, causó furor cuando se exhibió por primera vez en París. La obra no fue bien recibida no sólo por su reveladora descripción de prostitutas al desnudo, sino también por lo que representaba: un rechazo a la sociedad de clase media y a los valores tradicionales de esos tiempos y la aceptación de la libertad sexual. Además, con Las Señoritas de Avignon, Picasso no respetó los modos populares de pintura de ese momento en favor al dibujo en línea, dos dimensiones y estilo primitivo. Esa decisión fue fundamental, ya que Las Señoritas de Avignon permitió que se impusieran el cubismo y el arte moderno. En cuanto a la pintura, luego de su decepcionante exhibición, permaneció enrollada y olvidada en el estudio de Picasso por años antes de que la exhibiera Jacques Doucet a principios de los años 1920. Hoy en día forma parte de una preciada colección en el Museo de Arte Moderno en Nueva York.”  ( https://mx.tuhistory.com/hoy-en-la-historia/las-senoritas-de-avignon-de-picasso-causa-furor)

El Expresionismo: Agrupó en Alemania antes y después de la Primera Guerra Mundial a un numeroso grupo de pintores preocupados por reflejar los temores y angustias del hombre contemporáneo. Este movimiento recibió influencias de Van Gogh y del noruego  Edvuard Munch. Este artista vivió entre 1863 y 1944 y fue uno de los principales simbolistas. El explicaba su obra “El Grito” de esta manera: “ Mis amigos me habían dejado y, solo, temblando de angustia, me di cuenta del inmenso, infinito, grito de la naturaleza”

“En sus propios escritos sobre su cuadro, Munch dijo que estaba caminando junto con unos amigos cuando el cielo se tornó rojo sangre: "Me quedé paralizado temblando de ansiedad, y sentí que un grito infinito atravesaba la naturaleza".

Morten Zondag, un experto en Munch de la casa de arte Blomqvist en Oslo, consideró que tenía sentido. "Si uno examina los textos, advierte que es un grito de la naturaleza", expresó. ía que refleja un grito de la naturaleza, pero que esa persona o cosa es una personificación de ese grito".Munch trabajó en Alemania como también en su Noruega natal, y su estilo de intensa carga emocional fue de gran importancia para el nacimiento del movimiento expresionista del siglo XX. Hans-Martin Frydenberg Flaaten, cuya tesis en la Universidad de Oslo fue sobre "El grito", dijo que "Todos lo ven a su manera y eso provoca debate. Creo que fue parte del propósito".Flaaten dijo que las manos de la figura parecen estar cubriendo las orejas, protegiéndolas de un grito. Pero también podría estar asiéndose la cabeza, gesto clásico de un grito. Al igual que Zondag, Flaaten dijo que lo considera mayormente como un grito en la naturaleza y que la figura personifica el grito. Cree que lo importante es que Munch trataba de pintar un sonido, una idea que fascinó a su círculo de artistas y escritores, que también trataron de hallar los medios de "oír" colores.El artista pudo haberse inspirado en muchas imágenes y sonidos, que combinó en una pintura, opinó Soerensen. "Se ha convertido en un icono. Es notablemente fácil de comprender", dijo. "¿Grita u oye un grito? ¿Acaso importa?

Fuente: AP

En lnternet: www.munch.museum.no/”

Tomado de: http://www.lanacion.com.ar/688922-que-representa-el-cuadro-el-grito.

El surrealismo: Apareció en 1924 simultaneamente en la literatura con Breton y Apollinaire, en el cine con Luis Buñuel y en la pintura. Este movimiento se centró en la exploración del subconsciente, del mundo irracional de los sueños. Salvador Dalí, con una técnica y una formación netamente clasicista es el más representativo de los surrealistas llamados “oníricos”

“Óleo de 1931 realizado por Dalí. M.O.M.A. Nueva York.

Tema. Sobre la visión de un paisaje de la Costa Brava (Cadaqués), tan habitual en la obra del pintor, Dalí nos muestra las formas de unos relojes que han perdido su habitual tacto duro para volverse blandos (de aquí que también se conozca esta obra como Relojes blandos), con un cierto carácter orgánico.

            Dichos relojes se apoyan en distintos objetos (un tronco seco, una mesa) de los que destaca un volumen informe que vagamente (por las pestañas) nos puede recordar un rostro humano. (Método crítico-paranoico o doble imagen).

            En la zona izquierda aparece un nuevo reloj lleno de hormigas.

            En general, aunque la presentación sea realista en sus técnicas, tanto la relación de los objetos como su cambio de cualidades físicas, nos están remitiendo a una imagen por completo incongruente y fuera de la lógica, fruto del inconsciente, que nos provoca extrañeza y sentimientos contradictorios que la larga planicie solitaria sólo acentúan aún más.

            Técnica. Óleo sobre lienzo, como es habitual en el pintor.

            Composición. Se encuentra bastante equilibrada, con el motivo central unido a los otros relojes a través de un triángulo que se compensa, en la zona derecha, con las rocas que cierran el fondo.

            El dibujo es, pese al tema, sumamente correcto y bastante detallado, lo cual produce un mayor contraste con lo incongruente de la representación. De la misma manera color y luz se tratan a la manera tradicional, jugando con los fríos de los relojes que se destacan sobre el fondo cálido realizado a través de tonos terrosos.

            La luz, de atardecer, se proyecta desde la izquierda, haciendo proyectar sombras a los objetos.

            La perspectiva también responde a las maneras tradicionales del punto de fuga y la pérdida de definición de los contornos según nos alejamos. El pintor ha elegido un punto más elevado con lo cual consigue realzar los objetos del primer plano a la vez que se alarga la fuga visual hacia el paisaje.

COMENTARIO.

            Dalí utiliza en esta obra su famoso método crítico-paranoico con el que pretendía fotografiar los sueños. Como buen surrealista, su objetivo era el de sacar a la luz las visiones extrañas que se producen el subconsciente, siguiendo ideas de Freud.

            Para ello recurre a una técnica inspirada en los clásicos de los que era un gran conocedor (Rafael, Vermeer, Velázquez). De aquí que nos encontremos con un dibujo correcto (en zonas sumamente detallista), así como un uso de la luz y la perspectiva que nos provoca el aspecto tridimensional y real de la escena, como un cuadro clásico.

            Sobre esta base técnica (en nada revolucionaria) proyecta una temática de raíz surrealista en donde son habituales las asociaciones insólitas (los relojes tirados en una playa), el gusto por los temas escatológicos considerados de mal gusto (los insectos, la idea de putrefacción o la de mutilación), utilización de lo monstruoso o el tratamiento del paisaje con luces rasantes, perspectivas profundas y sombras alargadas que le dan un carácter onírico, de escenario de sueños, con el tiempo detenido y fuera de la experiencia real.

          Con todo esto pretende seguir las ideas expresadas por Bretón en su manifiesto surrealista, mostrando todos aquellos temas que la razón, el buen gusto o las convenciones sociales no dejan salir al exterior, siendo, en este punto, una postura revolucionaria y en gran parte provocadora que apela, más que a la razón, a los sentimientos, o mejor aún, a los puros instintos que aparecen aquí reflejados para que el espectador se enfrente con ellos, asomándose a su propio abismo.”

Ver: (http://sdelbiombo.blogia.com/2013/042901-la-persistencia-de-la-memoria.-dali.-analisis-y-comentario-.php)

La pintura abstracta. Es el resultado final de una progresiva despreocupación por los temas en sí y de la acentuación del factor intelectual. Los pintores abstractos renunciaron hacia 19176 a representar objetos reales, centrándose en elaboraciones puramente mentales. Algunos artistas, como Mondrian, eligieron la tendencia “geométrica” otros como Kandisnsky la “cromática y rítmica”. Luego de la Segunda Guerra Mundial, la abstracción culminó en el “aformalismo” del que es destacado interprete el español Tapies.

“Vasíli Kandinsky:  http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kandinsky.htm

(Vasíli o Wassily Kandinsky; Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso (nacionalizado alemán y posteriormente francés), destacado pionero y teórico del arte abstracto. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.

Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de Franz von Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

Composición Nº 8 (1923) de Kandinsy

Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial, y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.

Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.

Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores; en ellos todavía se percibe un poco la presencia de la realidad.

Negro y violeta (1924) de Kandinsky

En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú; allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky, y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.

La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano. En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica."

 Para uso educativo.

Frank Lloyd Wright. Ficha 3

La arquitectura norteamericana en tiempos de la Segunda Guerra Mundial.

Ficha 3

Breve análisis de Frank Lloyd Wright.

Es el producto de la crisis creadora que ocurre en Europa durante los años previos y en el entorno de la Guerra Mundial. Muchos arquitectos y artistas emigran a los Estados Unidos y allí realizan una obra moderno y menos intelectual que la europea..

Frank Lloyd Wright: 8 de junio de 1867 – 9 de abril de 1959 fue un  uno de los principales maestros de la arquitectura del siglo XX y el más importante del siglo XX nacido en Estados Unidos. De personalidad muy compleja se destacó por una gran capacidad de trabajo. Seguidor de Sullivan desarrolla el concepto orgánico en la arquitectura. Trata de integrar la arquitectura en su ambiente natural y siempre tomando en cuenta a las personas o el destino que lleva como destino.

 Una de sus obras monumentales es el Museo Solomon Guggenheim en Nueva york en la cual lo concibe como una continua rampa de forma helicoidal logrando que el contemplar las obras se convierta en una continuidad permanente donde el espacio y el tiempo logran una unión permanente.

El concepto orgánico de la arquitectura de Lloyd Wright lo encontramos claramente realizado desde adentro hacia afuera  en la llamada “Casa sobre la cascada”

Wright recibe el encargo de esta obra en 1935 para el señor Edgar Kaufmann importante directivo de una empresa comercial de Pittsburg. Se construye en un paisaje rocoso y vegetal y con manantiales. La obra se culmina en 1939 y recibió el nombre de Falling Water House. El tema del espacio se encuentra resuelto haciendo jugar los planos horizontales de hormigón con los muros naturales de piedra. Todos los ángulos interiores se resuelven con vidrios evitando zonas oscuras. La intercomunicación de los espacios internos y externos queda resuelta. La visión desde el interior al exterior es permanente. La casa se diseñó en tres plantas en forma escalonada, la inferior ocupa una gran sala de estar asentada sobre una roca y que es a su vez la base de la chimenea. Luego una gran terraza de hormigón vuela sobre la cascada. El piso superior tiene a su vez otra terraza con un eje de 90 grados con la terraza inferior sobresaliendo de la misma en parte. Las paredes no tienen más función , según la concepción de Wright, de dirigir el espacio hacia afuera.

Resumen: La casa de la cascada aprovechó al máximo los desarrollos arquitectónicos que permitían los nuevos materiales, inaugurando una nueva dimensión en la relación espacio-temporal para la vivienda del hombre.

Ver:

Artis. Páginas 382 y siguientes.